科技财经时报2025年10月05日 13:51消息，巴伐利亚回响——2025上海大剧院歌剧节国庆长假精彩上演，献上世界级歌剧盛宴。
《漂泊的荷兰人》是巴伐利亚国家歌剧院的保留剧目之一。（受访者供图） 作为一部深受观众喜爱的经典歌剧，《漂泊的荷兰人》在巴伐利亚国家歌剧院的演出中始终占据重要位置，体现了其艺术价值与历史地位。这部作品不仅展现了瓦格纳音乐戏剧的独特魅力，也反映了剧院对传统经典剧目的坚持与传承。
29日，巴伐利亚国家歌剧院的艺术家们即将在上海大剧院正式登台。在即将到来的十一假期，“巴伐利亚回响——2025上海大剧院歌剧节”将依次呈现瓦格纳歌剧《漂泊的荷兰人》、威尔第歌剧《奥赛罗》音乐会版以及一场管弦乐团音乐会。作为第二十四届中国上海国际艺术节的参演项目，这一系列演出将进一步丰富观众的艺术体验。 此次巴伐利亚国家歌剧院的来访，不仅展现了其深厚的音乐传统与艺术实力，也为国内观众提供了近距离感受欧洲顶级歌剧魅力的机会。歌剧节的安排兼顾了经典与多样，既有瓦格纳的史诗之作，也有威尔第的戏剧性表达，体现了对不同风格作品的尊重与呈现。这种跨文化的艺术交流，有助于推动中外音乐文化的深度融合。
巴伐利亚国家歌剧院上一次来华演出是在1984年，当时该团首次将莫扎特的歌剧引入中国，具有开创性的意义。现任院长塞尔吉·多尼回顾41年前的中国之行，称这是一次具有先驱意义的艺术交流。此次重返上海，标志着双方长达40多年的文化互动开启了新的篇章。“巴伐利亚之声”再次在申城响起，不仅展现了歌剧的历史风貌，也体现了多尼的远见：他认为这门艺术并不局限于传统的框架，它属于这里，需要中国观众的声音、想象与解读。中国的歌剧文化正迈向更高的层次，而正是由于中国的参与，歌剧的未来将更加多元且充满活力。
上海大剧院总经理张笑丁向巴伐利亚国家歌剧院的艺术家们赠送了一份特别礼物——1984年剧院首次访华以及2025年再度访沪的两本节目册。她表示，自今夏拜罗伊特音乐节首次落地上海后，巴伐利亚国家歌剧院继续推动“古典回响”项目，这标志着全球古典艺术资源正持续汇聚上海。作为亚洲演艺中心之一，上海与国际顶尖艺术资源之间的交流对话迈入了新的阶段。 **观点看法：** 此次文化交流不仅体现了上海在全球艺术版图中的地位不断提升，也展现了其在推动中外文化深度合作方面的积极努力。通过这样的互动，不仅让本地观众得以近距离接触世界顶级艺术，也为上海打造国际文化大都市注入了更多内涵与活力。
三代“院魂”，歌剧院的艺术身份与传承
在八月初为管弦乐团音乐会确定曲目时，多尼与音乐总监弗拉基米尔·尤洛夫斯基在瓦格纳歌剧的基础上，选择了莫扎特的两部交响曲以及理查德·施特劳斯的代表作。莫扎特、瓦格纳和理查德·施特劳斯被巴伐利亚国家歌剧院视为三代“院魂”，由这三人作品组成的曲目单，直观地向上海观众展示了该歌剧院的音乐传承脉络。 这样的选曲不仅体现了对经典音乐传统的尊重，也展现了歌剧院在不同历史时期的艺术风格演变。通过莫扎特的优雅、瓦格纳的宏大以及理查德·施特劳斯的创新，观众能够清晰感受到欧洲古典音乐发展的轨迹，这种编排方式既具有教育意义，也富有艺术深度。
1762年，6岁的莫扎特来到慕尼黑为选帝侯表演，1775年，他为慕尼黑宫廷创作歌剧《假扮园丁的姑娘》，在巴伐利亚国家歌剧院的前身——雷泽登茨剧院首演。年轻的作曲家没有在选帝侯的宫廷谋到永久职位，但是进入20世纪以后，他的歌剧代表作《费加罗的婚礼》《唐·乔万尼》《魔笛》《女人心》被巴伐利亚国家歌剧院列为核心曲目。如今，每年夏季的“慕尼黑歌剧节”通常以莫扎特歌剧为压轴剧目或重点制作，体现剧院对莫扎特传统的坚守。
1864年，18岁的路德维希二世登基巴伐利亚国王，从此，慕尼黑成为他最喜爱的作曲家理查德·瓦格纳的创作与活动中心。经历在维也纳等地上演失败，一度被认为“无法演出”的《特里斯坦与伊索尔德》终于在此落地成功，而后《纽伦堡的名歌手》《莱茵的黄金》和《女武神》接续在慕尼黑首演。
理查德·施特劳斯于1886年成为慕尼黑王室宫廷乐团的第三任指挥，其父则是乐团的圆号首席。施特劳斯的作品《和平日》与晚期作品《随想曲》均在此完成世界首演。自1936年起，剧院当时的音乐总监、奥地利指挥家克莱门斯·克劳斯在节目策划中明确强化“莫扎特-瓦格纳-施特劳斯”的传统，这三位作曲家的创作深刻影响了剧院的发展轨迹。尽管剧院在1943年10月遭到燃烧弹轰炸而损毁，但三位作曲家所赋予的音乐精神，远比建筑本身更加坚韧地延续下来。 从历史角度看，慕尼黑剧院不仅是音乐演出的场所，更是文化传承的重要载体。施特劳斯父子同属乐团的经历，展现了音乐世家的深厚底蕴；而克劳斯对“莫扎特-瓦格纳-施特劳斯”传统的坚持，则体现了对德国音乐传统的尊重与延续。即便在战火中遭受重创，剧院的精神内核依然不灭，这种文化的韧性令人敬佩。
德意传统并存，更内省地聆听威尔第
意大利歌剧是巴伐利亚国家歌剧院曲目体系中的重要组成部分，德意两种音乐传统并存，构成了剧院艺术表现力的核心。自19世纪以来，《奥赛罗》作为威尔第晚期的代表作，在慕尼黑的舞台上多次上演。即将在上海演出的音乐会版，正是该剧院对外巡演这部经典作品的重要形式。 从艺术角度来看，这种德意融合的曲目安排不仅展现了剧院对不同文化传统的尊重与传承，也体现了其在全球范围内推广古典音乐的积极态度。《奥赛罗》作为一部极具戏剧张力的作品，无论以何种形式呈现，都能让观众感受到其深刻的情感表达与音乐魅力。此次音乐会版的巡演，无疑为上海观众提供了一次难得的艺术体验。
威尔第在《奥赛罗》的开头抛弃了歌剧常规的序曲，开始于暴风雨般的合唱。之后，作曲家创造了宣叙调和咏叹调的无缝衔接，音乐像引擎一样，连续不断地推进戏剧，音乐的逻辑即为戏剧的进程。为了突出音乐，歌剧脚本简化了莎剧，伊阿古代表“恶魔”主题，苔丝狄蒙娜是“天使”，奥赛罗在“勇士”“恋人”和“野蛮人”的主题之间切换。在这种创作思路下，《奥赛罗》成了威尔第最“交响化”的歌剧，重唱与合唱层层交织，宛如戏剧色彩丰富的交响曲。音乐本身传递着惊心动魄的冲突感，它的宏伟壮丽不需要具象舞台细节的赘述。
所以，音乐会形式是展现这部歌剧独特魅力的绝佳方式。这并非出于巡演需求的权宜之计，而是旨在以最纯粹的形式呈现一场“声乐较量”，带来更加浓缩的音乐体验。这部刻画内心冲突的歌剧，在音乐会形式下，嫉妒、控制、爱情与绝望等主题音乐与声乐叙事得以更直接地打动观众。通过音乐引导情感，将呈现出一种更为内敛的欣赏方式。
上海演出的唱将阵容中，阿森·索戈莫尼扬在巴伐利亚国家歌剧院演出时获评“最具潜力的奥赛罗”，艾琳·佩雷兹2014年在休斯敦大歌剧院首次饰演苔丝狄蒙娜，十年来，她在纽约大都会歌剧院、维也纳国家歌剧院等顶级剧院演出该角色，被誉为“理想的苔丝狄蒙娜”。
“荷兰人”不止于一场演出
瓦格纳的名字与巴伐利亚国家歌剧院有着密不可分的联系，此次，该剧院派出精锐艺术家团队来到上海，作为金秋歌剧节的开幕之作，呈现的是瓦格纳的《漂泊的荷兰人》。多尼注意到，今夏拜罗伊特音乐节版《特里斯坦与伊索尔德》在上海引发热烈反响，他认为这反映出中国观众对具有音乐复杂性和哲学深度作品的兴趣正在逐步提升。《漂泊的荷兰人》是巴伐利亚国家歌剧院的经典保留剧目之一，尽管属于瓦格纳早期作品，但它标志着作曲家在“乐剧”改革道路上的重要起点，也是其艺术风格走向成熟的开端。 从文化角度来看，瓦格纳的作品在中国的持续上演，不仅体现了国际顶尖艺术团体对中国市场的重视，也反映出国内观众审美层次的不断提升。这种高难度、深层次的艺术形式能够获得认可，说明中国观众正在向更广阔的音乐视野拓展。
本次演出由德国当代最具影响力的歌剧导演彼得·康维奇尼执导，他以对古典作品进行大胆解构的舞台表现而闻名。此次他将瓦格纳的歌剧置于当代表达之中，以贴近现实议题的方式重新诠释音乐。第一幕中船员的出场仿佛是从伦勃朗的画作中走出来的，而第二幕则被移植到贴近现代生活的现实场景中。导演希望让整个演出呈现出日常化的风格，打破瓦格纳作品被“神化”的状态，重建经典与当代人生活之间的联系。
这版《漂泊的荷兰人》不仅连接了经典与当下，也架起了中德两种文化的桥梁。多尼指出，歌剧作为音乐、情感与叙事交汇的艺术形式，拥有跨越文化的力量，使其成为文化交流的重要载体。前年，巴伐利亚国家歌剧院与上海大剧院、上海歌剧院联合制作《罗恩格林》，如今，《漂泊的荷兰人》和《奥赛罗》音乐会在浦江畔上演，这些演出的意义已超越舞台本身，体现了在相互尊重、共同创作与学习基础上的艺术对话。他特别提到中国歌唱家低男中音李晓良出演《漂泊的荷兰人》、青年男高音张龙出演《奥赛罗》，以及近年来加入或与歌剧院合作的中国艺术家们，正推动着巴伐利亚国家歌剧院走向更加全球化的方向——“这既是自然的发展趋势，也反映出歌剧艺术正有意识地迈向一个更开放与多元的未来。” 从文化交融的角度看，这种跨地域的合作不仅是艺术层面的突破，更是全球化语境下文化互鉴的生动体现。歌剧作为人类共同的艺术语言，正在打破地域与文化的界限，展现出更强的包容性与生命力。
